Fantaisies improvisées – Dans l’esprit d’un artiste avec Jordan Rudess

Comment avez-vous commencé à vous intéresser à la musique et au clavier ?

J’ai commencé très tôt. Je ne viens pas d’une famille de musiciens, mais il y avait un petit piano droit qui m'attirait dans ma classe de cours élémentaire. Je venais tous les jours et je jouais sur ce piano. Un jour, mon professeur a appelé ma mère et lui a dit : « Jordan joue superbement du piano dans la classe. C’est très bien ». Ma mère a répondu : « Jordan ne joue pas de piano, nous n’en avons pas. » Et mon professeur a répliqué : « Et bien vous devriez en prendre un parce que Jordan joue très bien. »

Du coup, ma mère m’a acheté un piano dans la semaine. C’était un très beau piano quart de queue. J’ai commencé à prendre des leçons de 30 minutes avec un professeur local. Dès la première année, celui-ci s’est débarrassé de la méthode parce qu’il s’est aperçu que j'avais une bonne oreille et il a commencé à me montrer tous les accords. Et j’ai appris à trouver les bons accords et à improviser.

Quelqu’un qui s’y connaissait en musique est venu à la maison et m’a vu jouer du piano à partir d’un livre pour guitare qui ne contenait que la ligne mélodique et les symboles des accords de guitare. Je faisais mon propre arrangement. Il m’a dit : « Comment fais-tu ça ? Ce n’est pas écrit sur la partition. » Je lui ai répondu : « Comment ça ? Je ne fais que jouer. » Et il a rétorqué : « Non, rien de ce que tu joues n’est sur cette page. » Je pensais que tout le monde faisait ça ! C'est ainsi que j'ai découvert que ce que je faisais était un peu unique.

Après cela, j’ai commencé à voir une professeure sérieuse qui était déterminée à me préparer en un an pour la Juilliard School. J’avais donc huit ans et j’ai étudié avec cette pianiste hongroise qui voulait vraiment me faire entrer dans cette école. J’ai suivi son enseignement pendant environ un an et demi. Et avant mes 10 ans, j’ai auditionné pour la prépa (« pre-collège ») de Juilliard et j'ai été accepté. C’est ainsi que j’ai commencé mon parcours de pianiste. C’était une base très sérieuse et une formation classique.

J’avais donc commencé par improviser sur différents types de musique populaire avant de basculer en mode classique total, même si je suis toujours resté en parallèle un improvisateur ! Je devais aller dans la salle la plus éloignée au fond du couloir, loin de tous les professeurs, pour jouer du boogie-woogie et du blues et tout ce qui me passait par la tête. C’était en quelque sorte le début de tout ça.

Quand je suis arrivé à Juilliard, j’ai réalisé que j’étais entouré de gamins qui avaient neuf ans et qui écrivaient des opéras. Il y avait de jeunes musiciens incroyables venus du monde entier qui jouaient des concertos pour piano de Liszt et d’autres trucs insensés. J’ai eu la chance de faire partie de ce groupe et d’avoir un remarquable professeur. C’est vraiment la base de tout ce que j'ai fait dans ma vie. J’en suis extrêmement reconnaissant. Même si j'ai quitté le monde purement classique, ce que j'y ai appris est inestimable.

Quelles ont été vos premières opportunités professionnelles en tant que musicien ? Quel impact ont-elles eu sur votre développement ?

Quand j'étais à Juilliard, je faisais beaucoup de concerts et de récitals, de petites prestations professionnelles, autant qu'un enfant puisse le faire. À l’âge de 13 ans, je suis apparu dans une publicité Band-Aid de Johnson & Johnson, jouant dans la grande salle de bal du Plaza Hotel sur un Steinway à queue avec un pansement au doigt. Vous pouvez encore trouver cette publicité aujourd'hui si vous savez où chercher.

Note de la rédaction : nous l’avons trouvée ! https://www.youtube.com/watch?v=yZFVQBic1ek

Lorsque j’ai finalement quitté Juilliard, j’ai connu de « vrais concerts », en jouant avec le Paul Winters Consort, Vinnie Moore, Tony Williams et d'autres. Ce sont les premières occasions que j’ai eues de participer à des concerts importants.

L’une des premières choses que j’ai réalisées au début de ma carrière était que j'avais besoin de gagner ma vie. J’ai donc décidé qu’une bonne façon de le faire serait de travailler pour des fabricants d’instruments de musique. J'ai travaillé pour Korg et Kurzweil en tant que spécialiste produit, faisant des démonstrations et des présentations. À ce titre, je devais me produire lors de diverses conventions comme le NAMM. Et faire une grande prestation pour présenter un de leurs claviers. Suite à cela, j’ai commencé à avoir beaucoup d’articles de presse sur ces exhibitions.

Cela est revenu aux oreilles des gars de Dream Theater, tandis que certaines personnes de leur entourage leur parlaient aussi de moi. Même leur premier claviériste leur avait mentionné mon nom. Les articles dans Keyboard Magazine et le fait qu’ils aient entendu parler de moi par des gens qu’ils connaissaient les ont poussés à me contacter.

Ils ont fini par m'appeler et me demander de venir auditionner pour eux. Je ne savais pas vraiment qui ils étaient à l'époque. J'ai dû faire des recherches pour savoir de quoi il s'agissait. J’ai passé une audition et j’ai fini par jouer un concert avec eux parce qu’ils avaient vraiment besoin de quelqu’un pour remplacer le premier claviériste quand il est parti. Mais à ce moment-là, j'ai décidé de ne pas rejoindre le groupe.

À la place, j'ai rejoint un groupe appelé Dixie Dregs avec Steve Morse. C’était un groupe instrumental à succès que je connaissais bien. Je trouvais le projet Dream Theater sympa mais ce n’était pas le bon moment pour moi, je voulais m’éclater et faire d'autres choses.

Mais je suis resté en contact et un jour, j’ai reçu un appel du manager représentant Mike Portnoy, à l'époque batteur de Dream Theater. Ils m’ont demandé si je voulais rejoindre un « supergroupe » avec Mike à la batterie, Tony Levin à la basse, John Petrucci à la guitare et moi au clavier. Il y avait donc deux gars de Dream Theater, plus Tony et moi. J'ai dit oui et c'était un projet assez important pour moi.

Nous avons sorti deux albums à succès sous le nom de Liquid Tension Experiment, et après cela, ils m'ont à nouveau demandé si je voulais rejoindre Dream Theater. À ce moment-là, j'ai dit oui. J’aimais travailler avec ces gars-là, nous avions fait de la bonne musique ensemble, nous avions eu du succès et pour moi, le moment était plus propice.

C’est à la fin de l’année 1998 que je les ai rejoints. En 1999, nous avons sorti Scenes From A Memory, qui était le premier album de Dream Theater auquel j’ai participé, et il a connu un grand succès -– c’est encore aujourd'hui l'un des albums les plus populaires de DT. C’est comme ça que je suis entré dans Dream Theater.

Comment évoluent vos inspirations musicales ? Que se passe-t-il entre l'idée initiale d'un projet et le produit fini ?

Dans le monde progressif, on peut avoir des chansons très longues dont la forme s'apparente plus à des compositions classiques qu'à des chansons pop. J'aime prendre un motif ou un passage musical et voir ce que l'on peut en faire. Je peux prendre la mélodie de la main droite, et voir ce qui se passe si je la fais passer dans le registre inférieur et que j’ajoute quelque chose d’autre par-dessus qui la transforme. Je m'intéresse à toutes sortes de techniques de composition différentes.

Lorsque j’ai créé mon dernier album rock solo Wired From Madness, j’ai commencé l’album sans savoir ce que j'allais faire. Je voulais juste commencer à travailler. Je me suis mis devant mon ordinateur et j'ai commencé à enregistrer et j'ai écrit 30 secondes de musique. Chaque jour, j’écoutais les 30 secondes précédentes et cela m'inspirais pour trouver la suite. Au bout d’un moment, j’avais environ huit ou neuf minutes de cette chose continue qui se créait de jour en jour. On aurait dit que ça n’allait jamais se terminer ! Un jour, alors que je rentrais à la maison, j’ai dit à ma femme que j’étais en train d’écrire cet opus et que je ne savais pas jusqu’où cela irait. J’ai pensé que cela pourrait peut-être même constituer l’album entier. Elle m’a dit : « Tu ne peux pas faire ça, tu dois écrire des morceaux. Certaines personnes veulent aussi entendre des morceaux. Ne fais pas tout l’album avec un seul titre aussi fou. » Je me suis dit : « Elle a peut-être raison, je devrais sans doute écrire des morceaux. Cela ne peut pas faire tout l’album. » J’ai finalement compris que ce morceau pouvait durer 25 minutes, mais que le reste de l’album devait être composé de morceaux plus courts.

En fait, l'inspiration ne manque pas. Je peux rentrer et improviser quelque chose, puis le jouer dans mon logiciel audio numérique qui me permet de voir la partition et de commencer à l'orchestrer. C’est vraiment une question de choix et de détermination de la structure à mettre en place. Je peux m’asseoir au piano et juste jouer tout ce qui me passe par la tête, et c’est cool pour du streaming ou un bœuf, mais lors du processus de composition, je dois faire des choix. Une des choses vraiment importantes est de ne pas s’entêter comme par exemple en étant obsédé par tel ou tel accord. Je sais que beaucoup de musiciens talentueux ne peuvent jamais rien finir parce qu’ils n’arrivent pas à prendre de décision !

En plus de votre impressionnante discographie avec Dream Theater, Liquid Tension Experiment et de vos propres albums solo, vous avez collaboré avec toute une diversité d'artistes. Comment adaptez-vous votre approche lorsque vous collaborez avec différents groupes de musiciens ?

L’un des aspects caractéristiques de ma façon d’aborder la musique est que je suis très ouvert sur le plan des styles. J'aime tous les genres de musique. La musique est toute ma vie. Le côté metal progressif que la plupart des gens connaissent n’est en fait qu’une partie de ce que je suis musicalement – cela ne représente pas tout ce que je suis ! J’aime aussi le piano solo, la musique électronique et le rock plus doux. En fonction de ce que je fais, j'essaie d'être aussi ouvert que possible.

Il est très important de pouvoir répondre à un besoin musical particulier. Si je travaille avec un producteur, je dois comprendre ce qu’il veut et ce qu’il me demande de faire. J’essaie de ne pas impliquer d’ego dans la prestation. Cela pourrait m’empêcher de comprendre le travail qu’il y a à faire dans le studio. Même dans Dream Theater, quelqu'un peut avoir une vision particulière que j'essaie de suivre. Comme chaque membre doit avoir son mot à dire dans cette fantaisie sonore que nous créons, je dois essayer de comprendre leurs idées et les exprimer du mieux que je peux.

Quand j’ai travaillé pour David Bowie, je suis arrivé bien sûr très excité. Au départ, j’avais ce fantasme de changer son univers musical et d’être la prochaine évolution de sa carrière. Quand je suis arrivé, j'ai compris que lui et le producteur avaient une idée très précise de la manière dont ils voulaient que l'album sonne et du rôle que les claviers devaient jouer. J'ai donc dû adapter mon énergie et mes attentes à leur vision – ce que j'ai fait et j'ai beaucoup appris de cette expérience.

Dans les Dixie Dregs, je jouais avec Steve Morse, un des plus grands guitaristes du monde. Il m’a appris que lorsque quelqu’un prend un solo, il faut se mettre en retrait, baisser le son et décompresser car c'est son tour de briller. Le concept semble relativement simple, mais c’est une leçon importante que chacun doit connaître et mettre en pratique.

Vous avez récemment lancé un Patreon qui donne accès à votre univers musical, notamment à des flux live, des discussions en direct, des leçons et des conseils pour les musiciens. Quelle importance accordez-vous au partage de vos connaissances et à l’engagement envers la prochaine génération d’innovateurs musicaux ?

Une des choses qui me passionnent vraiment, c’est le partage. C'est pourquoi j'aime autant les réseaux sociaux et la possibilité d'atteindre les gens et d'entrer en contact avec eux. Je suis une personne sociable. J'aime interagir. Je trouve que la plupart de ceux qui écoutent ma musique sont des gens avec qui j'ai envie de parler et de communiquer. Dans le monde moderne, il est difficile de rester en contact avec tout le monde lorsque l'on a des fans dans le monde entier. J'ai donc mis en place un Patreon parce que je pensais que c'était un excellent moyen d'attirer des personnes particulièrement intéressées et désireuses de donner quelque chose en retour. L’idée était d’instaurer une ligne de communication et d'entamer des discussions avec les gens, mais par le biais de ce moyen plus ciblé qu'est le Patreon, qui a été formidable.

Je trouve que les personnes qui viennent sur mon Patreon sont particulièrement attentifs et je suis très heureux de communiquer avec elles. Je suis heureux de communiquer avec tout le monde, mais une journée est trop courte pour aller sur tous les réseaux sociaux et répondre à tout ce qu’on reçoit. Je ne peux tout simplement pas le faire. Utiliser Patreon pour ramener ces interactions au premier plan a été formidable.

What kind of affect has the pandemic had on the music industry, and how you've had to evolve with the current time?

As a message to the music industry I think it’s really important because when the pandemic first hit, everybody was staying home and locked down. I got really into sharing music by just turning on my phone and doing a Facebook livestream. I was doing it like everyday, just playing my heart out to who ever wanted to listen and share. I felt great about that, I still do. At some point along the way, maybe after doing that 50 times in a row, I started to think that as much as I love this, music shouldn’t be completely free. As a musician, I felt one of the most important things I could do was to say, “Look, I’ve enjoyed this. But if you really want to come into my world, see all my streams and be part of my musical life, it’s going to be on Patreon. It gives you a chance to give back to me, and I’ll continue streaming, I’ll share lessons and exercises and I’ll be in touch with you. But that’s the way I want to do it.

Over the last eight months I’ve helped create an awesome online music community, which is still growing. I feel very satisfied with that. It’s also taught me so much about video, audio and streaming technology. It led me to getting my streaming studio to a place that’s really cool with all the cameras and all the audio equipment. I look back at the last eight months and I’m stunned with how much has happened. It’s amazing to think about.